Este es mi último artículo regular en Ref S/N, tras cuatro meses escribiendo sobre música, arte digital y tendencias principalmente, me despido de nuestros lectores dando las gracias por su atención, sus comentarios y también a los editores del blog por la oportunidad. No sé si continuaré escribiendo, pero podeis seguir mis proyectos en mi página personal.
- David Domingo
Los chiptunes vuelven a sonar
Al final de la década de los 80s las computadoras y las consolas de videojuegos llegaron a los hogares de toda Europa y empezó una revolución digital de la cultura y el ocio. La NES, el Commodore 64 o la Game Boy son máquinas míticas que casi todos hemos tocado y jugado alguna vez con ellas. Todas ellas tienen características comunes, procesadores de 8 bits, escasa memoria y rudimentarios dispositivos de audio y video. Pese a ello, los artistas audiovisuales exprimieron todas estas limitaciones y crearon muchos videojuegos, gráficos, música y animaciones-demos.
Justamente esas limitaciones definieron la estética de este arte digital pionero, con una animación muy simple y por supuesto en dos dimensiones, unos gráficos pixelados (la baja resolución de las pantallas permitía distinguir los píxeles) y la música que sonaba a “chip”, ya que todos los sonidos estaban generados por procesadores/chips en tiempo real. De ahí que la música característica de aquellas máquinas de 8bits se llame chipmusic o chiptunes.
La producción de chiptunes estuvo prácticamente ligada a la producción de videojuegos (si no contamos la subcultura de la demoscene y la modscene), y la llegada de máquinas cada vez más potentes y el desarrollo de la informática musical hizo que la música realizada por ordenador cada vez sonara “mejor”, con sonidos más reales y completos, y se dejara aquellos primeros sistemas como anecdóticos y propios de la primera etapa de ordenadores domésticos y consolas de videojuegos.
Pero como pasa en muchos campos del arte y el ocio, las tendencias y las modas vuelven, y la música chip también se ha recuperado en los últimos años y se ha creado una escena, adaptada a los tiempos actuales. Pese a que hace años que no se fabrican, se han rescatado las Gameboys y los Commodore64 para volver a hacer música (aunque había muchos de ellos que nunca habían parado desde hace más de una década) y se ha juntado con los nuevos aparatos de producción musical para volver a traer ese sonido metálico y tan retro (en lo que electrónica se refiere) a nuestros oidos. Read more…
Prefalll 135 es una instalación interactiva audio-visual. Utiliza la energía de la caída del agua para hacer girar los molinos y producir sonido y gráficos. La primera versión del proyecto fue construido con material reciclado y fue desarrollado utilizando software libre.
Lo que me parece más interesante de esta instalación es como un estímulo del mundo real produce un efecto audiovisual. Hay un paso de lo analógico a lo digital y después una vuelta a lo analógico de la realidad. Aunque es todavía una primera versión, si siguen con su desarrollo pueden llegar a una obra mucho más interesante, combinando más fuentes, más interactividad y más contenido audiovisual.
Instalación realizada por Javier Chaverri, Katerina Antonopoulou y Rodrigo Carvalho, usando Reactivision y Processing, entre otros.
No suelo ser consumidor de videojuegos, pero a veces aparecen algunos que son arte en forma de juego interactivo, a los que dedico mi tiempo para llegar más lejos y poder ver u oir más y más pantallas. Es el caso de los tres que me he encontrado en los últimos meses. Aunque no os guste jugar, hay que darles una oportunidad solo por verlos y oirlos.
Auditorium es un juego que combina ingenio, física y música. Se trata de jugar “a 3 bandas” con un haz de luz para llegar a conseguir que toda la música suene. Esta descripción es un abstracta, pero lo mejor es probarlo para entenderlo. Hay una versión básica gratuita y luego se puede comprar la versión Full. También está para iPhone.
Yo me quedo con la idea global del juego y esos tonos cálidos de las melodías y las bases que suenan mientras consigues llenar todos los contenedores de volumen.
Machinarium es un otro pequeño juego de ingenio, con pequeños niveles donde hay que hacer algo con los personajes y los objetos para pasar al siguiente nivel. El juego ha aparecido por muchos sitios y ha recibido buenas críticas, especialmente por sus gráficos y su diseño de sonido.
Hay una versión gratuita y también la versión completa con más niveles. Y si te quedas atascado siempre puedes buscar un walkthrough…
Yo me quedo con la estética gráfica, muy elaborada y trabajada en los fondos y personajes. Un nivel de detalle superior para unas fases que pasas un rato contemplando y buscando objetos o formas que puedas usar para cumplir la misión.
El último es un pequeño juego llamado Luxi, que todavía no ha sido publicado, pero que con una pequeño video de su primer nivel y algunas imágenes, ya se puede intuir que está muy conseguido, pensado y programado. El personaje debe esquivar la luz del sol mediante la colocación de cajas que tapen las ventanas (una definición muy rápida).
Infected Mushroom es un grupo que recoge varias peculiaridades:
- Hacen música psy-trance. Lo normal es que sea una sola persona haciendo la música pero aquí es que también cantan de vez en cuando y se reparten el trabajo.
- Son de Israel, un país no muy conocido por su creación musical y mucho menos electrónica.
- Combinan el psy-trance con el heavy-metal y otros estilos, cosa para nada popular en el trance tan extremo como el psy.
En el tema Sayid (o Sa’eed) del video habreis comprobado ya estas cosas. Un concierto con un batería, un guitarra, un cantante… ¿esto no era un set de psy-trance? Pero Infected Mushrooms lo llevan haciendo ya 10 años, no es ninguna moda pasajera.
Si quereis oir más mezcla de estilos y como juntar funk con psy-trance, escuchad la canción Elation Station (minuto 2:30) de su álbum bandera, el Converting Vegetarians.
Esta es la presentación de la página del spa SANA en Vilnius (Lituania), obra de deKO, artista 3d-visual lituano que se dedica a hacer efectos visuales y escenas 3D para múltiples tipos de proyectos, desde la publicidad al cine.
En esta ocasión trata de emular el movimiento del humo, mediante técncias de dinámica de fluidos y particulas, junto con el software Krakatoa (que por cierto, es el nombre de una isla-volcán famosa de Oceanía), entre otros. Este software ha dejado muy buenos ejemplos de lo que se puede hacer con las partículas, con mayor o menor similitud a fenómenos reales y naturales (como el humo). Una demo bastante espectacular de fenómenos experimentales:
En aquella ocasión sin embargo, no mostré otra pieza que ha recogido todas estas influencias: blunderbuss de Fairlight. La diferencia principal es que esta obra (provinente de la demoscene) se genera en tiempo real. Es decir, no está renderizada en un video con softwares como el Krakatoa u otros, sino que está programada completamente para que se ejecute en tiempo real en la máquina, como un videojuego. Del anterior enlace os podeis descargar libremente los archivos y ejecutarla en vuestro ordenador (revisad los requisitos).
Aquí sin embargo la podemos ver también en su versión renderizada en video.
MuSiK se me adelantó con el post sobre el concierto de The Prodigy al que yo también fui, pero haremos un giro temático para complementar esa crónica con un poco de profundidad sobre la banda y su estilo característico.
Nada más llegar al concierto de la semana pasada, ves que hay un público bastante variopinto. Mayoría de rastas y piercings, pero también clubbers y gente más ecléctica de todas las edades. Porque el estilo de The Prodigy es propio y mezcla desde punk, rock y electrónica siempre con la constante del (big and break) beat.
Una cosa curiosa, había poca gente que reconociera las canciones a los primeros compases, hasta que no llegara una melodía o un beat muy significativo. Sólo los que ya tenían canas o los más aférrimos empezábamos a gritar con el primer sonido identificativo. Me pareció que mucha gente iba a bailar, saltar y empujar sin atender realmente al escenario, cosa que yo todavía nunca he entendido en los conciertos, pero personalmente nos salvaron las vallas de la zona de control.
Anyway, empezaron con Worlds on fire y con los gritos de Barcelona on fire! Liam Howlet detrás de los cacharros y varios ordenadores, y Maxim y Keith Flint saltando por todo el escenario haciendo su función de MCs (=Monos de Circo, con cariño La escena no era muy espectacular, un escenario bastante grande para ellos tres y un batería y un guitarra que no siempre tocaban. No hay visuales ni pantallas, pero si mucha iluminación y muy conseguida. Los MCs se tenían que mover mucho para llenar el espacio, pero lo hicieron. Y supongo que se cansarían pronto porque el concierto duró únicamente 1 hora y 15 minutos. Como siempre, inflexibles a bises o a modificaciones. Cuando los de control cierran luces y apagan ordenadores, sabes que aquello no continúa.
Esta semana llego un poco tarde, pero estaba decidiendo sobre que escribía. Iba a hacer un review del concierto de The Sounds que estuve el pasado sábado, una banda sueca que cada día me gustan más, pero como ya saqué el Por fin es viernes sobre K’naan, esta vez toca video.
Aunque la próxima semana vuelvo a la música. Vamos allá.
(En el siguiente video, podeis mover la cámara “arrastrandola” con el ratón)
Esto es un video inmersivo, un video donde puedes mover la cámara de forma interactiva hasta 360 grados (en horizontal y casi en vertical), sin detener el movimiento.
Está realizado por Inmersive Media, la compañía que también es responsable de la grabación del Google Street View. En su página de Demos podeis ver más ejemplos, desde saltos BASE a viajes, naturaleza o deportes. Si quereis detalles técnicos sobre la cámara usada, están explicados en su página también.
La inmersividad es una característica que se usa en diversos ámbitos, desde el arte y los videojuegos hasta el entrenamiento o la simulación. Se trata de que la persona se sienta inmersa en una realidad, real o virtual, que no es la misma en la que está físicamente. Esta inmersión puede producirse para los 5 sentidos, aunque normalmente se limita a la parte visual o sonora.
Los ejemplos de las fotos panorámicas de 360 grados donde puedes mover la cámara o el Google Street View son ejemplos claros de inmersividad estática, y se hacen solapando fotografías que comparten una zona del encuadre común. En los videojuegos donde juegas en primera persona, estás inmerso en tu personaje, y vives dentro del mundo virtual mediante imágenes y sonidos. Sin embargo, todo esto no sale de una pantalla, sigue siendo muy 2D.
Las iniciativas de simular el 3D mediante técnicas de polarización y gafas especiales que estamos acostumbrados a ver en el cine, crean una sensación bastante real de 3D y una inmersión ficticia con solamente unas gafas especiales.
De otro modo, hace años que se veía como el futuro la Realidad Virtual, con aquellas gafas, guantes y otros dispositivos que te adentraban en un mundo totalmente virtual que controlabas y veías en 360 grados. Actualmente, aunque siguen desarrollos, la Realidad Virtual ha perdido bastante de su innovación y atractivo metafísico.
Relacionado con todo esto, en los últimos años han aparecido los videos inmersivos, con ciertos casos prácticos como el Google Street View, entrenamiento militar y servicios logísticos y de transporte, además del popular ocio y entretenimiento. En este campo que quizá es el que más nos atañe en este blog, hay muchas posibilidades.
La gente de yellowBird está desarrollando una tecnología para grabar videos interactivos en 3D (inmersivos) de la vida real. Es decir, en lugar de ser un producto más orientado a grandes obras logísticas, entrenamiento, etc, se acerca más a un dispositivo para llevarlo siempre encima y que sea más personal y cercano. En esta primera demo suya, se basa en el concepto de “yo estuve allí” del concierto:
En general, es un formato nuevo por explorar, ya que en el mundo de los videojuegos ha sido muy probado y es una de las claves de la mayoría de juegos en primera persona, el que consiga una inmersividad mayor, va a tener muchas posibilidades de ser un juego mejor y más adictivo.
Pero hay que ver que se puede hacer con esta tecnología en el cine, la TV, los documentales, etc, llevando la inmersión en entornos reales, en la realidad.
Llega el fin de semana así que tras una semana de duro trabajo, hay que parar por un minuto y tomar un respiro!
“I’m just gonna take a minute and let it ride,
I’m just gonna take a minute and let it breeze,
I’m just gonna take a minute and let it ride,
I’m just gonna take a minute and let it breeze.”
Esto es lo que proclama K’naan en su tema Take a Minute, una canción que compuso en un momento muy estresante de su vida profesional y personal, y por eso se acordó de muchas situaciones y dijo “Take a minute!”
K’naan es un cantante de hiphop y poeta poco común. Nació en Somalia pero emigró con 13 años a los Estados Unidos y Canadá, por eso siempre incluye en sus temas referencias a su raices en las calles de Mogadisco, lo que le hace uno de los raperos más conocidos de Africa.
El tema Take a Minute pertenece a su último album, Troubadour (2009), y ha sido incluido en múltiples videos deportivos, como pasó con su canción más famosa, Soobax, que perteneció a la banda sonora del juego FIFA 2006.
“And any man who knows a thing knows,
he knows not a damn, damn thing at all,
And everytime I felt the hurt
and I felt the givin’ gettin’ me up off the wall,”
Escuchad este video de youtube que el sonido tiene mejor calidad.
“C’est en faisant n’importe quoi, qu’on devient n’importe qui” (”Haciendo cualquier cosa, uno llegar a ser cualquiera”) es el lema de Rémi Gaillard, un humorista francés que se dedica a hacer este tipo de bromas y acciones callejeras espontáneas. Y después las cuelga en internet para que todos las disfrutemos.
Rémi y su equipo de N’importe Qui se hicieron famosos en 2002 cuando apareció en las celebraciones de la Copa de Francia 2002 vestido como un futbolista más y llegando a saludar al presidente francés Jacques Chirac. Después ha salido en numerosos actos deportivos y en la televisión, haciendo de impostor de deportistas y otras figuras.
Pero la parte más divertida son los sketches o bromas que realiza y pone en su canal de youtube. Como por ejemplo, Le Tour de N’importe Quoi:
Hace un tiempo veíamos como podíamos poner efectos audiovisuales en nuestra oficina. Estos efectos se adaptaban a la forma de las paredes (según el punto de proyección) y daban una nueva dimensión al espacio. Esta técnica de proyección se llama MAPPING genéricamente, aunque puede ser visual mapping, 3d mapping o mapping interactivo, según sus características.
La escena no era muy espectacular, un escenario bastante grande para ellos tres y un batería y un guitarra que no siempre tocaban. No hay visuales ni pantallas, pero si mucha iluminación y muy conseguida. Los MCs se tenían que mover mucho para llenar el espacio, pero lo hicieron. Y supongo que se cansarían pronto porque el concierto duró únicamente 1 hora y 15 minutos. Como siempre, inflexibles a bises o a modificaciones. Cuando los de control cierran luces y apagan ordenadores, sabes que aquello no continúa.